原標志                                                                          新標志

位于美國紐約的大都會藝術博物館（Metropolitan Museum of Art)成立于1870年，是美國最大的博物館，共設17個管理分部，共收藏了包括世界各地五千年的超過二百萬件的藝術藏品。該館以其藏品豐富、規模宏大而在世界范圍內享有極高聲譽。近日，設計公司wolff olins為該博物館設計了新標志，新形象及品牌系統將于2016年3月1日正式推出。

據設計公司介紹，為了此次品牌形象更新，他們已經與大都會藝術博物館的多個部門合作了兩年半，在品牌發布之際，他們也詳細談到了這個品牌的設計過程：

對觀眾的調查顯示，博物館橫跨五千年的藝術品在廣度上及深度上都是一筆巨大的資產，但這也是一種挑戰——很多觀眾認為博物館過于龐大，置身其中往往有迷失感。所以設計部門與博物館的團隊認為，博物館對觀眾應該更加開放及更易體驗。三個不同地點的場館及在線資訊應更具有統一性。同時我們認為，品牌視覺形象應該體現博物館的一種聯接及對比的視覺語言——粗壯與優雅、現代與古典、親切與博學。同時，在早期我們就決定采用該博物館的通用叫法“The Met”，并將該名稱作為該館的品牌形象。

該獨特的品牌形象靈感來源于“聯接”——幫助觀眾將不同時代、文化與藝術品的各種思考連接起來。字體采用連接的設計，既包括襯線體的連接，也包括了襯線體與非襯線體的對比，這使到整體形象具有古典與現代的氣息，也呼應該館五千年的藝術品。

 標志大圖：

大都會藝術博物館有三個不同地點的展館，除了第一個位于第五大道的主館外，還有布勞耶分館（Breuer，由建筑師Marcel Breuer設計）及修道院藝術博物館（Cloisters）

大都會藝術博物館的品牌形象更新，對于紐約市民來說，不僅僅是一個機構的品牌更新，也是一個精神符號的更新。在談論這個標志時，我們先看看舊標志，舊標志是于1971年使用，其字母形態來源于一本1502年出版的舊書上刊登的一個M符號。這個符號，可以說帶著文藝復興的氣息（讓人聯想到達芬奇的《維特魯威人比例研究》作品），在當時的年代，也具有一種現代主義的氣息——從這個角度來說，采用這個符號來象征一種藝術的形象，具有一定的合理性。但從現在的角度去看這個標志，原標志在視覺表現力上也趨于復雜及帶些繁瑣。

新標志采用THE MET，是一種大膽且具有冒險精神的做法。THE MET，這個叫法確實是“通用叫法”，但準確來說，大部分情況下只是紐約市民的通用叫法，對于非紐約人特別是非美國人來說，并不會這么親切地叫這個名字。但采用這個新名稱，從品牌形象的表達上來說，則非常有利:THE MET——它不是全名稱的縮寫形式，因此并不需要在品牌旁邊補充全稱，它就叫THE MET，這使到形象上趨于簡潔及清晰。

在具體的表達上，設計公司采用了字母連接來表達他們在設計過程中建立的“聯接“概念，不同時代的聯接，不同風格藝術的聯接，觀眾與藝術品之間的聯接，他們將”聯接“既在概念上也在視覺上表達出來。出來的效果，應該說顯得獨特而富有藝術氣息，采用了一種很典雅的襯線字體。當然，我個人會感覺整體上會缺乏一些平衡感，這是字母T惹的禍，我甚至在想在右下角加一個圓點，是不是會更平衡更理想一些。而除了主標志的襯線體外，下方的分館名稱則采用了非襯線體，這也是設計公司所談到的古典與現代的聯接。

 設計公司也談到了標志為什么要采用紅色（準確來說是接近胭脂紅）：因為紅色傳達激情與活力，而且在很多藝術品中都有所呈現（如下圖）——這個解釋，前半句在理，后半句是廢話。因為200多萬件藏品，你要找什么顏色都輕而易舉。不過我個人確實也喜歡他們選擇的紅色，原因也很簡單：清晰及易于傳達。

下圖為地圖封圖的設計，哇，中文排第二，祖國強大了耶。

下圖為品牌系統的一些元素

 新品牌形象在出版物及應用物品上的展示效果

以下網站的應用效果也相當不錯，相對于目前現有的網站，其設計感是大大加強了

 據說此次品牌更新遭到了當地一些人的反對——對于已演變成一個公眾符號的標志更新，這種反對很正常。而對于象我這樣的旁觀者，我個人并無涉及個人情感，所以純粹只是從品牌呈現的效果來對比，新品牌無疑更具有表現力！有些人會認為這個標志未能全面代表博物館的豐富藏品及蘊含著的人文藝術含義等等——其實我只想說：根本不存在一個這樣的符號，通過簡單的圖形就能微言大義地傳達出五千年的人類藝術文明——標志從來不應該承擔如此重任。

經過長時間的規劃和施工之后，由zaha hadid architects設計的“broad藝術博物館”將于11月10日在美國東蘭辛市密歇根州立大學正式開幕。首次看到這個設計的讀者可以點擊瀏覽初步設計階段的信息。這座藝術博物館擁有18,000平方英尺（約1672平方米）的展廳，其中將展出希臘和羅馬時期，文藝復興時期和現代時期的手工藝品，還將沿歷史背景展出一系列當代藝術作品。

建筑的褶皺外形是由一系列二維平面組成的，這些平面根據人行步道和基地周圍的交通流線設計而成。最終形成的三維立體空間將容納大量參觀人流，相互連接的幾何體形成了一種室內景觀，它因展覽的不同而發生多種解讀。在展覽設計的過程中，景觀和基地地形將成為重要的影響因素，不同的展覽會從內部將博物館空間嵌入到大學校園空間中，與周邊環境保持強有力的聯系。

    卡塔爾伊斯蘭藝術博物館位于多哈海濱大道人工島上，它構思精巧，一半建在海上，一半建在陸上。博物館共有五層，設有展廳、圖書館和教育中心。展廳內展出了800多件7世紀至19世紀的伊斯蘭藝術珍寶。

     其設計來自91歲高齡的貝聿銘，貝聿銘稱這個伊斯蘭藝術博物館將是他最后一個大型文化建筑（建筑外部在2006年已完成）。占地4萬5平方，白色石灰石幾何式的疊加成伊斯蘭的風格建筑，中央的穹頂連接起不同的空間，內部除了展示來自世界各地的各種伊斯蘭藝術品，還包括圖書館、餐廳等功能空間。

由日本著名建筑師 Kazuyo Sejima 和 Ryue Nishizawa （SANAA）設計的紐約新當代藝術博物館（New Museum of Contemporary Art）將馬上竣工，在12月1號開放。

紐約新當代藝術博物館是曼哈頓市中心第一座大型的藝術博物館，總共7層樓，形如不同偏向的盒子疊加而成，裹著一層亮白的外衣， 銀色鍍鋁的金屬網格，能夠看到城市街景的窗戶和天窗點綴其間。這個面積為6萬平方英尺的建筑內設有畫廊展廳、劇院、咖啡廳、商店、教育區、以及多重的屋頂陽臺等。

SANAA 想設計一幢透明的建筑，不去掩蓋結構表面背后發生的事物，SANAA的設計通常有著光亮和極少的美學，對復雜建筑的細節和流動性的考究，沒有層級的空間，擅長將建筑的外觀作為一種“滲透膜”，聯系著室內和室外，個性和共性，共用和私密之間微妙同時又刺激的關系。他們以內而外地設計這個紐約新當代藝術博物館，按照博物館的需求，用不同盒子代表不同功能區域，并通過這些盒子的移位來讓建筑的內部更加通融和開放，并引入光線。無柱子的空間讓功能實現有更多的自由，讓空間變得吸引人但同時又是坦率的，并不去和里面展示的藝術品爭風吃醋。